«Es wird kein klassisches Konzert, eher eine Erfahrung»

Das Kurationstrio «Year-to-Date» – ein Zusammenschluss aus Zürcher Künstler:innen – gestaltet eine Saison lang das Musikprogramm der Gessnerallee. Am Freitag, 28. Februar laden sie zu einer besonderen Live-Performance ein: Modulaw präsentiert sein neuestes Projekt The Songweaver in einer eigens für den Raum konzipierten multimedialen Form.

Merlin Modulaw, der sich selbst als Sonic Architect bezeichnet, machte sich mit seinen Kompositionen im europäischen Musikundergrund bereits einen Namen, sodass er schon bald mit Szenengrössen wie Brodinski, Bbymutha oder Coucou Chloé kollaborierte. Nach seinen Studien in Komposition und Sound Design in Bern und Zürich verschlug es ihn nach Paris, von wo aus er seitdem seine «acousmatic experiences» kreiert. Für seine musikalische Praxis sind besonders Räumlichkeit und Hybridität zwei zentrale Begriffe – Modulaw erschafft hörbare Welten, die sich in den Köpfen des Publikums weiter erstrecken und er testet Genregrenzen aus, vermischt und stapelt diverse musikalische Referenzen.

Was erwartet uns nächste Woche in der Gessnerallee?

Am 28. Februar präsentiere ich eine Form meines nächsten Albums The Songweaver. Die Performance nutzt ein räumliches Soundsystem, um das Publikum in einen immersiven Klangraum einzuladen. Es wird alternative Versionen der Stücke geben mit verlängerten Arrangements, anderen Instrumentationen und einer sich ständig wandelnden Struktur. Ebenfalls werden Kollaborateur:innen eingeladen, um gemeinsame Stücke zu performen. Es ist weniger ein klassisches Konzert als eine Erfahrung, bei der sich Klangschichten verweben und in Bewegung bleiben – zwischen Klanginstallation und Live-Performance.

Was ist das Konzept von The Songweaver?

The Songweaver ist kein fixes Album, sondern ein Pool musikalischer Ideen, der sich über verschiedene Formate entfaltet – als digitale Veröffentlichung, Live-Performance oder audiovisuelle Installation. Ich wollte das digitale Album nicht als Endprodukt sehen, sondern als Manifestation einer musikalischen Welt, die keine endgültige Form hat.

Das Projekt verscheint die verschiedenen Seiten meiner künstlerischen Praxis: meine kollaborative Arbeit, meine Auseinandersetzung mit akustischer und elektroakustischer Musik sowie Experimentation mit Klang und Video. Es interessiert mich, wie sich musikalische Codes aus verschiedenen Genres überlagern und eine neue Sprache formen. Oft kann ein einziges Klangdetail – ein Snare-Sound oder ein bestimmter Hall – ganze musikalische Welten hervorrufen. Dieses Weben von Klängen, Referenzen und Stimmen ist das Herzstück des Projekts – stets im Spannungsfeld zwischen dem Menschlichen und dem Artifiziellen.
 

Wo siehst du die Beziehung zwischen Raum und Klang?

Raum ist für mich ein aktives Element in der Musik – nicht nur als akustische Umgebung, sondern auch als dramaturgisches Werkzeug. Jeder Raum hat eine eigene Resonanz, eine eigene Geschichte, die mit der Musik in Dialog tritt. Ich arbeite viel mit Bewegung im Klang – also nicht nur mit Stereobreite, sondern mit direktionalem Sound, der sich um das Publikum herumbewegt. Dadurch entsteht eine fast physische Interaktion mit der Musik.

Du betitelst dich selbst als Sonic Architect – ist Räumlichkeit in deiner Musik auch abseits von Performances relevant?

Ja, definitiv. Auch in der Studioarbeit denke ich viel über Raum nach – ob durch künstliche Räumlichkeiten wie extrem weit entfernte oder hypernahe Sounds, durch Mixing und Mastering oder durch tatsächliche Mehrkanal-Arrangements. Die Stimme spielt dabei eine besondere Rolle: Sie kann als Portal in verschiedene Räume und Emotionen funktionieren. Sie ist ein konkretes Element, an dem sich Zuhörer:innen orientieren können. Dadurch lässt sich die Musik hinter der Stimme experimenteller gestalten – kontrapunktisch und unerwartet – da die Stimme als Anker dient.